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The Highest Quality & Retention of Design
디자인 트렌드를 선도하는 대한민국 프리미엄 미디어 그룹
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ANDREAS ENGESVIK

소재가 가진 아름다움을 살리는 디자이너

Andreas Engesvik는 노르웨이에서 가장 유명한 디자이너 중 한 명으로 스칸디나비아의 현대 디자인을 국제 시장에 진출시키고 오늘날의 명성을 확립하는 데 큰 역할을 해왔다. 노르웨이 베르겐 대학에서 미술사를 공부하고 National College of Art and Design에서 석사 과정을 마친 뒤 2000년에 디자인 그룹 Norway Says의 핵심 멤버로 활약했다. 2010년 이후 Iittala, Muuto, Fontana Arte, Asplund, Fogia 등 국제적인 브랜드와 장기적인 협업을 시작으로 자신의 스튜디오인 Andreas Engesvik Oslo를 성공적으로 오픈했고, 가구, 테이블웨어, 생활용품, 산업 디자인 등에 이르는 다양한 분야를 섭렵하며 다채로운 프로젝트를 선보이고 있다. 그는 소재가 가진 아름다움을 살리는 디자인을 추구하며 노르웨이 디자인이 가장 화려했던 과거의 아이콘을 현대적으로 재해석하고 있다. Andreas Engesvik는 창작 활동과 더불어 노르웨이 디자인을 홍보하며 젊은 인재들이 세계적으로 뻗어 나갈 수 있게끔 그들을 가르치고 지원하는 일에도 전념하고 있다. 2012년에는 스톡홀름에 위치한 The University College of Arts, Crafts and Design의 객원 교수로 임명되었다. ▲HOWDY OWLS / MENU Howdy Owls는 Stokke Austad와 공동으로 작업한 조각 프로젝트다. 전통과 공예에 대한 관심, 동물을 표현하고자 하는 마음은 스칸디나비아 유산과 일치했다. 두 스튜디오는 장인정신과 전통적인 산업 디자인 사이에서 균형을 찾는 것을 작업 목표로 삼았다. ▲BLOM LAMP / FONTANA ARTE Blom은 북유럽 국가들의 계절적 흐름과 다양하게 변화하는 빛으로부터 영감을 받아 탄생했다. 스칸디나비아의 실용성과 다재다능함에 뿌리를 두고 있는 램프는 튤립의 모습을 본 딴 형태로, 꽃잎의 디자인은 다양한 설정을 내포하고 있다. 친숙한 모양과 깔끔한 크기로 여러 공간과 상황에 적용할 수 있다. ▲AGNES CHAIR / IRE Agnes는 캐주얼하면서도 친절한 성격을 지닌 의자다. 손수 제작한 나무틀 위에 무심한 듯 덮어놓은 커버는 의자에 편안함을 제공한다. 부드러운 원단과 뒤로 젖혀진 나무는 우리에게 익숙한 느낌을 준다. Agnes의 디자인과 형태는 격식을 차리지 않은 편안함을 주기 위해 설계되었고, 커버를 분리하거나 수리함으로써 의자의 수명을 늘릴 수 있다. ▲DINI SOFA / FOGIA Andreas Engesvik는 전형적인 소파의 원형에서 영감을 얻어 현대적인 디자인의 Dini를 탄생시켰다. 오래된 고정관념에 도전한 그는 우아하고 날렵한, 널찍하고 매우 편안한 소파를 완성했다. Dini는 역사상 가장 상징적인 슈퍼카 중 하나인 람보르기니 미우라를 디자인한 Marcello Gandini에게 경의를 표하는 의미에서 이름 붙였다. ▲GLORIA / MUUTO Norway Says 시절의 작품인 Gloria 캔들 홀더는 기존 제품들이 가진 정형성을 과감히 탈피했다. 촛대를 배치하는 곳마다 생동감 넘치는 분위기를 더해준다. 한 개의 촛불도, 세 개의 촛불 혹은 여섯 개의 촛불도 모두 잘 어울리는 캔들 홀더는 당신이 원하는 대로 양초를 꽂은 만큼 그에 맞는 분위기를 선사할 것이다. ▲ENGESVIK / GEORG JENSEN DAMASK Engesvik는 덴마크 브랜드 Georg Jensen Damask의 텍스타일 컬렉션이다. 손으로 드로잉한 디자인은 심플하면서도 우아한 스타일을 자랑하며, 식탁보, 돗자리, 침대 커버 등 다양한 제품으로 구성되어 있다. 고르지 않은 구조는 일상의 불완전한 균형을 감각적으로 담아낸 형태다. ▲LIV CANDLESTICK / ARVEN Liv는 노르웨이의 은(銀) 제조업체인 Arven의 150주년을 기념하기 위해 한정판으로 제작된 촛대이다. 우아한 모양의 촛대는 은과 꽃의 모양, 액체의 특성에서 영감을 받아 디자인됐다. 핸드메이드로 제작된 촛대는 제품마다 미세한 흔적이 남아 조금씩 다른 모습을 보인다. Andreas Engesvik의 딸의 이름을 따서 지어진 Liv는 270g의 은으로 만들어졌으며, 하나의 촛대를 제작하기 위해 5명의 장인과 5시간 이상의 시간이 필요하다. ▲THE WOODS / INDEPENDENT Andreas Engesvik와 Stokke Austad의 두 번째 콜라보레이션으로 탄생한 The woods는 숲과 빛으로부터 시작됐다. Woods는 계절에 따라 숲의 색과 투명함이 바뀌는 매혹적인 과정을 유리에 담아냈다. 두 디자이너는 순수하게 장식적인 요소로만 이루어진, 그 외에는 별다른 기능이 없는 조각품을 완성하길 원했고 이는 공예에 관한 새로운 관심을 이끌어냈다. 제품은 각 7개의 피스로 구성되어 있다. ▲ARBOUR SOFA / HAY 설계가 구조를 따라야 한다는 개념을 구현한 Andreas Engesvik와 Daniel Rybakken의 소파 Arbour. 최적의 편안함과 품질, 효율성을 위해 독립적으로 생산된 별도의 부품으로 조립되었다. 소파는 유럽 시장 내에서의 에코라벨 기준을 충족하는 동시에 내구성까지 갖췄다. 좌석과 쿠션은 신중하게 균형 잡힌 비율로 만들어졌으며 사이드 쿠션은 조화롭게 어우러져 편안하게 앉을 수 있게끔 설계됐다. 논리적인 구성과 깔끔한 디자인 언어로 완성된 Arbour는 스칸디나비아의 미학을 따르며 편안함과 내구성을 융합했다.

STUDIO IMA

스튜디오 아이엠에이는 20여 년이라는 긴 시간 동안 상업공간과 유아공간 위주의 프로젝트를 진행해왔다. 열정을 가지고 새로운 프로젝트에 도전하기를 즐기며 잊을 수 없는 공간의 경험을 만들고 사람 냄새가 나는 생각을 공유한다. 아이엠에이가 디자인한 공간을 통해 고객들과 사용자들이 독특한 경험을 할 수 있기를 바라며 이를 위한 신선한 감각을 부여하는 작업 과정을 즐긴다. 이들은 공간이 사람을 변화시킬 수 있다는 믿음을 바탕으로 완성도 있는 프로젝트를 만들어나가고 있다. STUDIO IMA WEB: studioima.kr EMAIL: studioima@naver.com CONTACT: 02-3478-7707 INSTAGRAM: @official_studioima

[Interview] LIVNG AXIS - 최시영 대표

한국 주거 문화의 트렌드를 이끌어온 국내 최고의 디자이너, 비닐하우스에서 밭을 디자인하는 그린 디자이너. LIVING AXIS 최시영 대표 건축가이자 디자이너인 최시영은 한국 실내건축가 협회 회장을 역임하였고, 한국 디자인 위상을 높인 공로를 인정 받아 산업포장/대통령상을 수여 받았다. 하노버국제 IF디자인 3회 수상 및 아시아태평양협의회상, 문화부장관상, 매일경제신문회장상, 골든스케일상 등 다수의 수상경력이 있다. 플랜테이션, 인천공항, 세종시 총리실 아트디렉터로 참여하였으며, 숙명여대, 홍대대학원 등에서 겸임교수 및 강의를 꾸준히 하였다. 작품으로는 타워팰리스, 류미재, 롯데월드타워, 전경련 스카이팜, 팔레스호텔, 조선호텔스위트, 파주 헤르만하우스, 오피스텔 두빌, 신촌 CGV, 알렉스더커피 등이 있다. 최근에는 세상과 아름답게 소통하기 위한 명제로, 자연 앞에 겸손하고 인간에게 친절한 작업들을 위해 노력하고 있다. 롯데 시그니엘 UNIT Q. 국내 최고의 공간 디자이너로 손꼽히고 있다. 공간 디자인은 어떻게 시작하게 되었나? A. 어릴 적에는 화가가 되는 것이 꿈이었다. 국민학교에 다니던 시절에는 사생대회에 나가면 큰 상도 많이 받았는데, 한번도 집에 가져오지를 못했다. 당시만 해도 '예술하다가는 결혼도 못 하고 가족도 못 먹여 살린다'라는 인식이 강했고, 집안의 반대도 무척 심했기 때문이었다. 그렇게 방황하며 고등학교를 마치고 마지못해 선택한 전공이 건축이었고, 건축과를 졸업한 후에 친구와 함께 개인 주택 공간을 디자인하는 것으로 일을 시작하게 됐다. 그때가 1988년 즈음이었는데, 우리나라에서 서울올림픽을 개최하면서 국민소득 1만불 시대가 도래했다. 어느 나라건 국민소득이 일정 수준 올라가면 문화, 소비가치, 사람들의 의식 등에 터닝포인트가 오기 마련이다. 그때 사람들 사이에서 서서히 주거 공간에 대한 질적 향상, 변화의 욕구가 일어나기 시작했다. 나는 주로 의사, 변호사 등 전문직 종사자들의 공간을 디자인했는데, 업무가 복잡하고 거기에서 오는 스트레스가 많은 클라이언트들은 단순한 공간을 원하는 경우가 많더라. 마침 나도 그때는 흔치 않던 미니멀, 모던한 공간 디자인 작업을 많이 했기에 클라이언트들 사이에서 입소문이 퍼지면서 하나둘씩 다양한 프로젝트를 맡게 됐다 . 서초 롯데주택전시관 Q. 국내 최고의 공간 디자이너로 손꼽히고 있다. 공간 디자인은 어떻게 시작하게 되었나? A. 어릴 적에는 화가가 되는 것이 꿈이었다. 국민학교에 다니던 시절에는 사생대회에 나가면 큰 상도 많이 받았는데, 한번도 집에 가져오지를 못했다. 당시만 해도 '예술하다가는 결혼도 못 하고 가족도 못 먹여 살린다'라는 인식이 강했고, 집안의 반대도 무척 심했기 때문이었다. 그렇게 방황하며 고등학교를 마치고 마지못해 선택한 전공이 건축이었고, 건축과를 졸업한 후에 친구와 함께 개인 주택 공간을 디자인하는 것으로 일을 시작하게 됐다. 그때가 1988년 즈음이었는데, 우리나라에서 서울올림픽을 개최하면서 국민소득 1만불 시대가 도래했다. 어느 나라건 국민소득이 일정 수준 올라가면 문화, 소비가치, 사람들의 의식 등에 터닝포인트가 오기 마련이다. 그때 사람들 사이에서 서서히 주거 공간에 대한 질적 향상, 변화의 욕구가 일어나기 시작했다. 나는 주로 의사, 변호사 등 전문직 종사자들의 공간을 디자인했는데, 업무가 복잡하고 거기에서 오는 스트레스가 많은 클라이언트들은 단순한 공간을 원하는 경우가 많더라. 마침 나도 그때는 흔치 않던 미니멀, 모던한 공간 디자인 작업을 많이 했기에 클라이언트들 사이에서 입소문이 퍼지면서 하나둘씩 다양한 프로젝트를 맡게 됐다 . Q. '도곡동 타워팰리스'에 대한 이야기를 안 할 수가 없을 것 같다. 1999년에 완공됐지만, 아직까지도 회자되며 '대한민국 주상복합의 새 지평을 열었다', 혹은 '하이엔드 주거문화의 획을 그었다'고 평가받고 있는데. A. 이제 듣는 사람들이 좀 식상해 할 것 같다. "언제적 타워팰리스를 아직까지 우려먹나" 하지 않을까? (웃음) 타워팰리스는 사실 대단히 새로운 시도를 했다기보다는 내가 그전까지 비공개 개인 주거 작업을 하며 만들어온 공간 디자인이 공개적으로 드러난 것뿐이다. 천장 몰딩을 없앤다든가, 주거 공간에 패밀리 룸이라는 개념을 도입하는 등 기존에는 없던 관점을 제시한 것처럼. 또, 우리나라에서 처음으로 설계자(최시영, 이종환, 민영백)를 전면으로 내세웠던 주상복합 공간이라는 점도 있었기 때문에 타워팰리스 프로젝트가 꽤나 센세이셔널하게 받아들여진 것 같다. 流美齎 (RYU MI JAE) 오피스텔 DEUX VILLE SDE 사옥 Q. 문화관광부 장관상, 골든스케일디자인 어워드 등 국내뿐만 아니라 iF 디자인어워드, Reddot 디자인어워드 등 국제적인 어워드에서도 여러 차례 수상한 바 있다. 리빙 엑시스와 최시영 디자이너가 이토록 사랑받고 주목받는 까닭이 무엇 때문이라고 생각하나? A. 나도 잘 모르겠다. 이 일을 오래 하다 보니까 기회가 자주 온 것 같기도 하고, 희한하다. 해외에 iF 디자인어워드, Reddot 디자인어워드라는 게 있는지도 몰랐다. 근데 주변에서 추천을 해주더라. 신기하게도 주변에서 공모해보라고 먼저 연락이 왔고, 그래서 출품을 해보면 떡 하니 상을 받았다. 나는 그저 그때그때 디자인을 통해 나의 이야기, 내가 하고 싶은 이야기를 했을 뿐인데, 그게 잘 맞았나 보다. FARMER'S DADDY Q. Farmer's Daddy처럼 'Green'을 키워드로 하는 프로젝트들도 많이 하고 있다. 어떻게 그린, 가든에 빠지게 되었나? A. 가든이 우리에게 주는 여러 가지 미덕 중 내가 가장 좋아하는 두 가지는 '사색'과 '위로'다. 앞서 언급했듯 가든, 그린 역시 '나의 이야기'이다. 주상복합 프로젝트를 주로 할 때는 정말 하는 족족 성공하니까 건설사 측에서도 나를 많이 찾아주었고, 물밀듯이 일을 하느라 정신없이 살아왔다. 업무적인 스트레스나 촉박한 스케줄 때문에 하루하루가 영혼이 탈탈 털리는 듯한 기분이었다. 어딘가로 탈출하고 싶었고, 힐링이 절실하게 필요했다. 나에게 그게 가든, 그린이었다. 일전에 가든 디자이너 오경아 씨를 소개받고 정원 문화에 관심을 가지게 됐다. 그러다가 15년 넘게 잊고 살던 아버지 소유의 2,000평 정도 되는 땅이 생각나서 문득 찾아가봤다. 분명히 어릴 적의 기억으로는 밭이었는데, 그때 가서 보니까 거의 산의 일부가 되어 있더라. 거기서 잡초 제거에서부터 시작해 꽃과 나무를 심으며 농사를 접하게 됐다. 내가 지금껏 해온 일과는 완전히 결이 달랐다. 디자인은 수시로 바뀌고, 마감 기한이 정해져 있고, 하나를 끝내면 다음 일이 줄을 서 있었는데, 농사는 그렇지 않았다. 계절이 바뀌고, 꽃이 피고 해가 바뀌는 것을 기다려야 했다. 무언가를 심으면 바로 결과를 보고 바꿀 수 있는 종류의 일이 아니었다. 천천히, 묵묵히. 자연스럽게 '밭'을 디자인하는 것에 관심을 가지게 되어 농사와 관련된 특강도 듣고, 스스로 연구도 하고, '가드닝'의 본고장인 영국을 종단하며 세계적으로 유명한 정원을 찾아다녔다. 그렇게 거의 8년 동안 천천히 가꾸어온 농장을 대중들에게 오픈한 게 Farmer's Daddy다. 에덴 메모리얼리조트 Q. 에덴 프로젝트 역시 가든과 접목한 새로운 개념의 봉안당 공간으로 주목받았다. A. 에덴이 가장 최근에 작업한 '그린' 프로젝트라 할 수 있을 것 같다. 원래 이곳에는 일반적인 호텔을 지을 예정이었는데, 에덴낙원 재단의 이사장으로부터 납골당 부지를 찾는다는 소식을 접하며 새로운 아이디어를 떠올리게 됐다. 멋진 정원과 호텔, 식음료 공간을 갖춘 납골당에서 소중한 사람을 잃은 유족들이 모여 서로를 위로하고, 고인을 기억하고, 나아가 남아있는 가족들이 음악회를 즐기고, 결혼식이나 돌잔치처럼 특별한 가족 행사가 이루어지면 어떨까? 우리는 사랑하는 가족이 잠들어있는 납골당이 어쩐지 두렵고 엄숙하게 느끼곤 한다. 납골당을 찾을 때마다 우리가 죄송함, 슬픔을 느끼는 것이 진정 고인이 원하는 것일까? 나는 이 질문에 대한 해답을 찾고 싶었다. 물론 클라이언트가 이런 새로운 관점에서의 접근을 처음부터 반기지는 않았지만, 점점 내가 바라보는 것에 공감하게 되며 프로젝트가 완성됐다. 전경련 세상의 모든 아침 Q. 공간과 디자인에 대한 철학이 있다면? 공간 디자인에 있어서 가장 중시하는 것이 있다면? A. 두 가지 정도를 꼽을 수 있을 것 같다. 우선 우리 홈페이지를 보면 '많은 디자인 언어 중 우리들이 표현하는 중심에는 Nobility가 있습니다.' 라는 문구로 리빙 엑시스를 소개했었는데, 아마 25년? 30년 전에 쓴 글일 거다. 굳이 Nobility를 풀어서 표현하자면, 격(格)이라고 할 수 있겠다. 아직까지도 우리는 격을 놓지 않으려고 한다. 시간이 많이 지나왔고 직원들도 여럿 바뀌면서 많은 작업을 해왔지만, 격(格)에 대해 아직 우리는 많은 이야기를 하는 것 같다. 다른 하나는, 멋진 건축, 공간 디자인이라는 것은 결국 인간에게 친절하고 자연 앞에 겸손해야 한다는 것. 작은 한 두 그루의 나무와 풀밭이 건축을 위대하게 만들기도 한다. 나 역시 자연과 맞닿은 공간을 만들어가면서 덕도 보고 우쭐대기도 했지만, 자연의 위대함을 느끼고 한없이 겸손해진다. Q. 현역 디자이너들 중 최고참 선배 세대에 속한다. 최근 코로나바이러스로 인해 업계가 어려운 시점에 후배 디자이너들에게 하고 싶은 말이 있다면? A. 지금 우리가 맞닥뜨린 상황도 과거에 어찌 예측할 수 있었겠나. 앞으로도 또 마찬가지다. 그 누구도 겪어보지 못한 일이기 때문에 누구에게나 어렵다. 어떻게 극복해야 하는지 조차 예측이 불가능하다. 때문에 더이상 예측하고 따라갈 것이 아니라 이제는 정말로 자기 이야기를 해야 되는 시기가 왔다는 생각이 든다. 그게 무엇이든 좋다. 특히 요즘 같은 힘든 시기는 진솔함이 더욱 와닿는 때이기도 하니까 이렇게 어려울 때 진솔한 자기의 이야기를 하면 더욱 돋보이지 않을까. 다만 이야기할 분명한 매개가 있어야 한다. 디자이너는 디자인으로, 건축가는 건축으로. 마지막으로, 디자이너 후배들이 '우리는 위대한 것을 만들고 있으며, 이 위기의 순간에도 누군가는 우리가 만들어낸 것을 보고 감동을, 혹은 희망을 가지기도 한다'는 프라이드를 가지길 바란다.

TOM FEREDAY

호주 출신의 Tom Fereday는 영국에서 생활하며 조각과 미술을 공부하기 위해 Wimbledon school of Art에 입학했다. 명확한 방향성을 찾기 위해 시드니 공과대학에서 산업디자인을 연구한 그는 디자인이란 현실 세계의 문제를 해결하려 노력하는 것이며, 이는 도전적이고 흥분되는 일이라고 느꼈다. 이후 시드니에 스튜디오를 설립했고, 천연 재료의 원시적인 아름다움과 오래된 제조 기술을 결합한 다양한 가구와 제품, 조명 등을 선보였다. 유럽과 호주 전역에서 활발하게 활동 중인 그는 제품 이면에 있는 재료와 공정 과정에 충실할 수 있는 정직한 디자인을 원칙으로 삼고 있다. 환경을 생각하는 자연적인 소재와 설계를 바탕으로 사람과 연결될 수 있는 지적이면서도 사려 깊은 결과물을 선사한다. 또한, 사람들과 그들을 둘러싼 환경에 의미가 있는, 지속가능성이 있는 디자인을 만들어 낸다. Fereday는 여러 브랜드와의 협업 작업을 선보였는데, 어떻게 제품이 만들어지는지, 어떠한 방식으로 접근하여 그들의 가치를 공유하는지 등 브랜드를 향한 크고 작은 질문에서부터 작업을 시작한다. 새로움과 지속적인 디자인이 어우러진 작품을 만들기 위해 노력하며 시각적이면서도 내재적인 가치를 유지할 수 있는 디자인을 브랜드와 공유한다. 시드니 LOUIS VUITTON 매장과의 콜라보레이션을 비롯해 2018 Lane Crawford creative callout, 2019 Good Design Award 등 유럽과 미국 전역의 권위 있는 디자인 박람회에서 수상하며 실력을 인정받고 있다. ▲EILEEN TABLE FURNITURE Eileen은 야외용으로 만들어진 우아한 테이블 컬렉션으로, 주거 및 상업 공간 모두 활용할 수 있는 디자인을 갖추고 있다. 프레임에 의해 완벽하게 설계된 스테인리스 스틸은 두 개의 다리와 자연스레 연결된다. 독특한 테이블의 상단은 부드럽게 휘어진 곡선의 모양으로 마무리했으며, 단단한 아코야(Accoya) 우드 혹은 대리석으로 교체할 수 있다. ▲CRAWFORD COLLECTION FURNITURE Crawford Collection은 천연 목재와 강철의 조화를 축하하는 제품이다. 조각적인 목재 요소로 세련되면서도 정제된 컬렉션은 강철 지지대와 어우러져 시각적으로 가벼우면서도 튼튼한 내구성을 자랑한다. Lane Crawford 백화점과 Stellarworks와의 협력으로 개발된 제품은 침대에서부터 라운지, 테이블 의자에 이르기까지 평생 지속될 수 있는 컬렉션이다. ▲WES LOUNGE FURNITURE 부드러우면서도 인상적인 외관에서 이름을 따온 Wes Lounge는 영화감독 Wes Anderson에게 경의를 표하며 탄생했다. 1년이 넘는 개발 과정을 거친 Wes는 호주의 장인정신과 기술을 강조했다. 독특하게 디자인된 목재 프레임을 손으로 직접 조각했으며 복잡하면서도 최소한의 형태를 지닌, 모든 각도에서 완벽하게 매끄러운 외관을 완성했다. ▲JEANETTE COFFEE TABLE FURNITURE Jeanette 컬렉션은 야외 가구에서 종종 발견되는 금속의 단단한 미학을 부드럽게 만들어 새로운 아이덴티티를 부여했다. 단단한 대리석, 테라코타, 직물 등이 돋보이는 컬렉션은 수집하고 싶은 가구처럼 소중히 여겨지고 보살핌 받기를 바라는 마음을 담아 제작했다. ▲SHELL CHAIR FURNITURE Jasper Morrison HAL 의자의 Negative space와 단단한 콘크리트로 만들어진 Shell 의자. 복제품 HAL 의자의 껍데기를 덜어내고 남겨진 그림자를 강조하여 제작했다. 콘크리트 의자는 시드니에서 수작업으로 완성됐으며, 상징적인 형태만 남아 오리지널과는 또 다른 매력을 선사한다. ▲SIA CHAIR FURNITURE 전통적인 베어링에서 영감을 받아 탄생한 Sia는 가느다란 외양을 지니고 있지만 편안함에 있어서는 절대 타협하지 않았다. 의자의 곡선은 안락함을 얻기 위해 필요한 최소한의 목재만을 사용해 만들었으며, 목재 요소를 지지하는 스테인리스 프레임과 우아하게 어우러졌다. ▲KYSS RANGE FURNITURE 금속공예 제조업체 Studio kyss와의 협업으로 탄생한 KYSS range. 견고한 놋쇠와 FSC 등급의 나무로 만들어진 독특한 가구 컬렉션은 수공업으로 제작됐다. 순수한 재료와 과감한 조형 형태를 조합한 후 오랜 시간에 걸쳐 만들어진 가구에서 특유의 질감을 그대로 느낄 수 있다. 커피 테이블의 노출된 오브제는 꽃병으로 사용 가능하며, 상판은 오크 및 호두 원목을 적용할 수 있다.

[Interview] (주)예인건축연구소 - 모정현 대표

디자인의 대상인 공간은 바라보는 것이 아닌, 우리가 머물고 숨쉬고 느끼는 것. 예인건축연구소 모정현 대표 연세대학교 실내건축학과를 졸업하고 국내 및 외국계 인테리어 회사에서 실무를 시작한 후 실무와 학업을 병행하며 연세대학교에서 실내환경디자인전공 석사 및 박사과정을 졸업하였다. 2007년부터 ㈜예인건축연구소를 설립하여 현재까지 주거공간 전문 분야를 중심으로 국내 건설사와 공공기업의 주택 연구 및 디자인을 활발하게 진행하고 있다. 현재는 제 22회기 사단법인 KOSID 회장으로 국내 실내건축의 질적 양적 성장과 후배 디자이너들을 위해 힘쓰고 있다. ⓒ IM LEAU, The Sharp Central Park Q. 모정현 대표와 ㈜예인건축연구소에 대한 소개를 부탁한다. A. 대학을 졸업한 이후부터 지금까지 약 27년간 공간 디자인 업계에 종사해왔으며, 주거 공간을 전문적으로 다루는 예인건축연구소를 이끌고 있는 모정현이라고 한다. 졸업한 직후 회사에 다니던 초반에는 호스피탈리티, 오피스, 클럽하우스나 상업 공간 등 여러 프로그램을 경험해보았지만, 주거 공간 프로젝트는 조금 뒤늦게 접하게 됐다. 당시 '주거 분야에서 앞으로 내가 할 수 있는 일이 많겠다'는 것을 깨닫게 되면서 2007년, 직원 한명과 주거 공간을 전문으로 하는 예인건축연구소를 시작하게 됐다. 예인건축연구소가 처음 문을 열었던 시기는 건설 시장에서 주거 공간에 대한 질적 향상, 변화의 목소리가 점차 커지고 있던 때였다. 때문에 단순히 주거 공간을 디자인만 하기보다는 실무와 함께 대학원에서 사회 환경과 주거의 변화, 그 방향성에 대한 연구 또한 병행하며 R&D에 기반한 작업도 많이 해왔다. 그러다 보니 자연스럽게도 주거를 대하는 인식 변화에 민감한 1군 건설사의 주택 상품개발팀, LH, SH, 서울시 등 공공기관에서 우리 회사를 찾는 일이 많아지며 불과 10년 동안 빠른 속도로 성장할 수 있었다. ⓒ IM LEAU, The Sharp Central Park Q. 예인건축연구소는 유닛 디자인 등 주거 프로젝트를 주로 다루고 있다. A. 내가 학생들에게 강의를 할 때 늘 하는 말이 있다. 바로 "공간을 디자인하는 것은 결국 삶을 디자인하는 것과 같다고 생각하라"는 것이다. 공간은 '바라보는 대상'이 아니라 '머무는 환경'이기 때문이다. 그런데 지금까지 우리는 많은 경우에 상업 공간이나 전시 공간처럼 시선을 끄는 공간에서 감동이나 행복을 찾았던 것 같다. 일상에 지치고 힘들 때 멋진 레스토랑이나 카페, 여행지의 리조트와 호텔을 상상하는 것처럼. 그러나 주거 공간이야말로 우리가 감동과 행복을 찾을 수 있는 가장 중요한 공간이고, 주거 공간 디자인은 그만큼 다른 공간 디자인보다 어려운 작업이라고 본다. Q. 지난 10년간 국내 주거 환경에 있어서 새로운 키워드가 등장하고, 집에 대한 인식도 많이 달라졌다. 예인건축연구소는 주거 환경에 대한 변화의 시기를 겪으며 성장해온 회사로서, 이를 바라보는 예리한 시선을 가지고 있을 것 같다. A. 국내의 주거 공간 디자인은 과거 '양적 성장'을 이루던 시기를 거치며, 밀레니엄 시기 이후로 '질적 성장'을 추구하는 시기를 겪고 있다. 또한, 가족 구성원의 변화와 저출산, 1인 가구의 급속한 증가는 기존 주거 공간의 전통적인 질서를 해체하고 새로운 유형의 주거공간에 대한 필요를 대두시켰다. 이런 부분에 있어서 우리는 주거 공간에 대한 질서 개편과 라이프스타일의 변화에 따라 거시적인 측면의 주거공간 계획에서부터 한 가족의 삶을 완성하기 위한 마무리 단계까지, 지속적으로 고민하고 새로운 아이디어를 제안하며 끊임없이 연구하고 있다. ⓒ Yein, Golf Villa Q. 코로나 바이러스의 세계적인 유행은 우리의 주거 환경을 어떤 모습으로 변화하게 할까? A. 작년 한 해는 코로나 바이러스의 유행으로 자택 근무, 온라인 학습 등 사람들이 주거 공간에 머무는 시간이 증대되고 주거공간에 대해 전과 다른 새로운 니즈들이 발생한 시기였다. 그 중 몇 가지를 꼽자면, 주거의 역할이 과거에 비해 훨씬 증대되었다는 것, All in Vill, All in Room 등으로 대변되는 주거공간의 다기능화가 있겠다. 특히 다양화된 가족 구성원의 형태와 더불어 고정된 공간구조보다는 거주자의 요구에 따라 다변화할 수 있는 공간에 대한 수요가 증가하고 있다. 이와 더불어 사회적 거리 두기로 인해 사람들이 외부로 나가는 시간이 줄어듦에 따라 자연을 누릴 수 있는 공간의 요구가 대두되고 있다는 점도 꼽을 수 있다. 갑갑하게 닫혀있는 공간보다는, 공동주택이라 하더라도 테라스 등 자연을 느낄 수 있는 구조나 채광이 좋은 주거 공간 내 다이닝 공간 등을 원하는 이들이 많아지고 있다는 것이다. 마지막으로, 주거 환경에 있어서 커뮤니티 공간에 변화가 가시화되고 있다는 것도 주목할 만하다. 공동 주거 환경에서 커뮤니티 공간은 여러 거주자가 함께하는 공간인 동시에 일반적 주거 공간 내에서 누리기 어려운 기능들, 주로 건강과 문화, 교류를 위한 공간으로 구성되는데 이러한 공간이 하나로 열리기보다는 거리 두기 등이 가능한 공간으로 재편되는 것이 주요한 특성이라 할 수 있다. ⓒ Duo Studio, THE H Xi Q. 공간과 디자인에 대한 철학이 있나? A. 앞서 언급했듯, 나는 디자인의 대상인 공간은 그저 바라보는 것이 아니라, 우리가 머물고 숨 쉬고 느끼는 공간이라고 생각한다. 디자인의 대상으로서 공간은 마치 멈추어 있는 객체 같지만, 사실은 살아있는 객체로 보아야 한다. 공간 디자인은 공간을 둘러싼 자연, 문화, 시간과 그 공간에 머무는 사람, 그 사람과 공간 간의 상호작용까지도 생각해야 한다. 한편, 공간 디자인 역시 다른 영역의 디자인과 마찬가지로 오래된 관습에서의 문제점을 보고 잘못된 고정관념을 탈피하며 새로운 디자인을 탄생시키는 등 발전해나가는 것이라고도 생각한다. 여기에는 끊임없는 연구와 상상력, 도전이 필요하며, 마지막까지 열정과 근성으로 최선을 다하는 것이 우리 공간 디자이너들이 갖추어야 할 가장 중요한 자세 중 하나라고 믿는다. ⓒ Yein, The H Edelui_ Q. ㈜예인건축연구소와 모정현 디자이너에게 앞으로의 계획이 있다면? A. 예인건축연구소의 설립 이후 10여 년간 하나의 분야에 집중한 결과, 디자인만으로도 회사의 운영이 가능하게 되었다. 특히 우리 회사는 주거 분야에서 재능이 넘치는 많은 디자이너를 보유한 든든한 디자인 회사이기도 하다. 지난 10년간 주거 분야에서 우리의 디자인 능력을 인정받은 것처럼, 앞으로의 10년은 점차 다른 공간으로 도전하고자 한다. 어떤 공간이든 현재 우리가 주거 프로그램을 대하는 자세처럼 기존의 디자인에 만족하지 않고 마지막까지 하나하나 고민하고 최선을 다한다면, 다른 분야에서도 새로운 공간을 탄생시키며 우리의 능력을 펼칠 수 있으리라 믿고 있다. 개인적인 차원에서는 올해 22회기 한국실내건축가협회의 회장을 맡게 되었는데, 코로나 바이러스로 인해 실내디자인 분야의 준비와 대응이 매우 중대한 시점에 회장이라는 중책을 맡게 되어 어깨가 무겁다. 그러나 책임감을 가지고 디자이너의 권익 향상과 더불어 언택트 시대를 대비한 미래전환 시스템을 구축하는 등, 보다 스마트하면서도 모든 세대의 디자이너들이 함께 참여할 수 있는 열린 협회를 만드는 데 최선을 다할 생각이다.

그루아키텍츠 건축사사무소

그루아키텍츠 건축사사무소 WEB: gruarchitects.com EMAIL: info@gru-a.com CONTACT: 02-3482-0922 INSTAGRAM: @gru.architects 그루아키텍츠 건축사사무소는 2명의 크리에이터가 만든 디자인 그룹으로 정직함, 또 기본에 바탕을 두고 이들만의 디자인을 펼쳐나가고 있다. 이들은 자신을 "지나침이 없는 탄탄한 뿌리에서부터 출발해 그루다움을 정의하고, 우리가 지향하는 아이덴티티를 통해가치있는 라이프 스타일을 제안한다."라고 소개한다. 스튜디오는 공간을 아우르는 디자인 분야에 대한 토탈 솔루션을 고민하며, 라이프 스타일을 경계 없이 연구하기 위해 애쓰고 있다.

STUDIO STAY

스튜디오 스테이는 머물고 싶은 공간을 만드는 것에 집중한다. 이들에게 머물고 싶은 공간이란 다양한 경험과 기억을 만들어내며 인간을 둘러싼 특유의 분위기(atmosphere)를 형성하는 장소다. 이를 바탕으로 스테이는 공간의 깊이와 질감에 집중하며, 시각적인 공간이 아닌 상상력을 자극하는 공감각적인 공간을 만들어낸다. 이들은 공간을 구성하는 아주 작은 요소까지 전부 아우른다. 하나의 장소가 만들어지기까지의 모든 과정에 참여하여 공간의 장소성과 개인의 경험이 소통할 수 있는 곳을 만들기 위해 노력한다. STUDIO STAY WEB: www.staygroup.co.kr EMAIL: official@staygroup.co.kr CONTACT: 010-2471-1038 INSTAGRAM: @studio_stay

[Interview] Art of Seoyoung - 박서영 아트 디렉터

공간을 비추는 찰나의 순간을 연출하다. ART OF SEOYOUNG 박서영 대표 Art of Seoyoung의 박서영 대표는 17년간 800여 편의 국내외 아티스트들의 뮤직비디오와 기업, 브랜드 광고 등 영상 콘텐츠의 시각적 요소를 구성해온 아트디렉터다. 영상의 연출뿐만 아니라 프로덕션 디자인, 인테리어 디자인 등 공간 연출에서 시작되는 다양한 스펙트럼의 작업들을 경계 없이 진행해왔다. 지난 2018년부터는 갤러리 AZULEJO를 오픈해 예술과 전시로까지 작업의 영역을 확장하고 있다. 해피인사이드 해피인사이드 Q. Art of Seoyoung, 박서영 아트디렉터에 대해 소개를 부탁한다. A. Art of Seoyoung을 운영하고 있는 박서영 아트디렉터다. 17년째 뮤직비디오나 광고 영상의 아트디렉터로 활동하고 있다. Art of Seoyoung은 영상 안에서의 공간 디자인과 전체적인 비주얼 요소를 모두 맡아 하나부터 열까지 만들어내는 작업을 하는 스튜디오다. Q. 뮤직비디오와 광고의 모든 시각적 요소를 디렉팅한다고 했는데, 작업을 좀 더 구체적으로 설명하자면? A. 예를 들자면, 뮤직비디오의 경우에는 아티스트가 안무를 하는 공간, 립싱크를 하는 공간, 드라마를 연출하는 공간 등 다양한 공간이 필요하다. 이런 모든 공간을 구성하고, 공간에 어울리는 Prop들을 세팅해서 전체적인 아트웍을 연출한다. 벽의 컬러나 질감은 영상에서 어떻게 보이도록 표현할 것인지, 조명은 어떻게 연출할 것인지를 고민하며 디자인해야 하고, 소품은 어떤 것을 어디에 어떻게 배치할 것인지, 커다란 구조물에서부터 의상의 컬러, 심지어 아티스트가 들고 있는 작은 막대사탕까지 치밀하게 준비해야 한다. 광고도 마찬가지로, 제품이 주가 되는 콘셉트의 경우 어떻게 하면 제품이 돋보이고 멋지게 표현되는지에 중점을 두고 공간을 디자인한다. 스토리가 있는 드라마타이즈의 경우 그 이야기를 잘 살릴 수 있는 공간을 연출해야 하고 그에 대한 적합한 아트 디렉션이 필요하다. ⓒ 데코저널, Azulejo Gallery Q. 광고, 뮤직비디오 영상의 무대가 되는 세트 디자인과 전시 디자인은 주거 공간, 사무 공간 등 다른 공간을 디자인하는 것과 어떻게 다른가? A. .광고나 뮤직비디오, 전시 공간 디자인이 상업 공간이나 주거 공간을 디자인하는 것과 가장 크게 다른 점은, 우선 목적이 다르다는 것이다. 주거나 상업 공간은 사람들이 오랫동안 편안하게 안전하게 예쁘게 살아가야 하는 게 중점이라면, 광고나 뮤직비디오를 위한 공간 디자인 같은 경우는 비주얼적인 면이 강하게 어필되어야 하고, 콘셉트가 더욱 뚜렷해야 되고, 아티스트가 우리의 무대 위에 섰을 때 가장 빛나게 해야 하는 것이 목적이라고 볼 수 있겠다. 우리가 완성한 공간은 짧으면 15초에서 길면 5분 정도의 시간 안에 모든 것을 보여주어야 하기 때문에 콘셉트적인 부분을 강조하는 것이다. 영상 속의 공간을 디자인하는 것은 어떻게 보면 다른 공간 디자인 작업보다 더 짧은 시간에 거대한 요소까지 빠르게 표현해야 하기 때문에 시간 싸움이기도 하다. 그래서 경험과 노하우가 간절하게 필요한 일이라 할 수 있다. 물론 스트레스도 많지만, 작품이 잘 나오면 폭풍처럼 지나간 날들이 잊히기 마련이다. 이런 부분들은 주거 공간 디자인이나 상업 공간 디자인처럼 목적이 다른 작업과 같은 점이기도 하다. Q. 클라이언트나 아티스트들이 의도하는 공간을 만들어내는 팁이나 디자인에 대한 영감을 얻는 방식은? A. 클라이언트나 아티스트들이 원하는 콘셉트가 명확할 때도 있고, 뮤직비디오의 경우에는 곡만 주어지는 경우도 종종 있다. 그래서 곡을 수없이 반복해서 들어보면서 어떻게 해석할지, 어떤 시각적 요소로 표현할지 고민을 많이 하게 된다. 어떤 콘셉트는 공간이나 요소가 현실에 존재하지 않는 경우도 굉장히 많다. 그래서 주로 자료를 보는 데 시간을 많이 할애하고 시안을 만들고 공간을 디자인한다. 과거에는 구조적인 자료들을 주로 서칭했다면, 요즘에는 순수 미술 쪽에서 영감을 많이 얻고 있다. 회화 작품의 컬러감이나 그림의 구도에서 자유로운 광원 처리, 이런 것들에서 영감을 얻고 이것들을 입체적으로, 공간적으로 표현하고자 한다. ⓒ 데코저널, Azulejo Gallery ⓒ 데코저널, Azulejo Gallery Q. Art of Seoyoung 외에도 Azulejo 갤러리를 운영하고 있다. A. 2년 전에 갤러리를 열게 되었는데, 그 이유는 수년간 800여 편 이상의 광고나 뮤직비디오를 연출하면서 스스로 좀 더 깊고 넓어지고 싶다는 생각이 들었기 때문이다. 또 다른 중요한 이유로는 순수한 예술 작품은 세계 어느 문화에서도 공통되는 언어이기 때문에, 예술을 통해 나 자신이 조금 더 발전하고 싶다고 생각했다. 예술이나 공간 디자인이나, 내가 하는 일들은 결국 하나로 융합되니까. ⓒ 데코저널, C27 Downtown ⓒ 데코저널, C27 Downtown Q. 공간 디자인에 있어서 가장 중시하는 것이 있다면? 박서영 아트디렉터의 공간 디자인에 대한 철학은? A. 사실 우리가 주로 하는 일은 영상 속에서의 공간이기 때문에 어떻게 디자인해야 프레임 안에서 가장 예쁠지, 가장 적합한 공간은 어떤지에 중점을 두고 일하고 있다. 물론 공간 디자인과 그를 담는 앵글 외에도 중요한 요소들이 많기 때문에 공간을 표현할 때마다 다른 중점이 있겠다. 어떤 작품을 할 때에는 조명 등을 활용해 그 공간의 '공기'까지 세팅을 하려고 한다. 그만큼 디테일을 살려야 하고 무드가 중요한 작업들이 많기 때문이다. 또한, 우리가 만드는 공간은 화면이 4:3이냐 16:9냐에 따라서도 각각 다르게 비친다. 종합해 보자면 작가들이 캔버스에 그림을 그리듯, 우리는 여러가지 요소를 통해 카메라 프레임 안에 비치는 그림을 그리는 것이라고도 볼 수 있겠다. Q. 앞으로의 계획이 있다면? A. 그동안 그래왔듯 앞으로도 주 업무인 광고, 뮤직비디오 아트디렉팅을 계속 이어 나가는 것. 그리고 운영하고 있는 Azulejo 갤러리만의 색깔이 짙어지도록 노력하는 것이다. 처음 갤러리를 열면서 다짐했던 것은 첫째로 감동, 둘째로 대중들과의 공감이었다. 관람객들이 작품을 마주했을 때 공간 연출이나 다른 장치들을 통해 좀 더 감동을 느낄 수 있고 누구나 친숙하게 다가갈 수 있으며, 작품과 갤러리의 연출을 통해 더욱 많은 상상을 할 수 있으면 좋겠다. 2020년은 새로운 환경의 변화로 모두가 힘든 시기를 겪고 있지만, 많은 이들이 적응하며 새로운 활로를 개척해나가고 있기도 하다. 다가오는 2021년은 Azulejo 갤러리도 조금 더 볼거리가 많은 전시를 통해 많은 분들을 찾아뵙고 싶고, 갤러리를 더 알릴 수 있는 한 해가 되길 바란다.

Design By Them

Sarah Gibson과 Nicholas Karlovasitis에 의해 2007년 설립된 Design By Them은 특유의 시각과 시대를 초월한 미적 감각, 장난스러움이 도드라지는 매력적인 디자인을 선보이며 호주를 대표하는 디자인 스튜디오로 자리 잡았다. 호주에 본사를 둔 스튜디오는 호주 디자이너에 의해 제품을 설계하고 자체 생산한다. 훌륭한 작품을 제작하며 접근하기 쉬운 세계적인 디자인으로 고객들에 영감을 선사하는 Design By Them은 호주 디자인을 전 세계적으로 알리는 데 주력하고 있다. 좋은 디자인은 모두를 위한 것으로 우리의 삶을 더욱 즐겁게 만들어 준다고 이들은 믿는다. 때문에 보다 혁신적이고 지속가능한 사회를 추진하기 위해 디자인 교육은 필수적이다. 이에 Sarah와 Nicholas는 제품을 만드는 것에만 머무르지 않고 디자이너를 꿈꾸는 호주 인재들에 관한 교육에도 힘쓰고 있다. Good Design Awards의 심사위원으로 정기적으로 참여하며, 다양한 행사와 연구를 통해 대중과 꾸준히 소통함으로써 디자인의 중요성을 알리고 있다. Design By Them의 작품은 Facebook, Google, Dropbox, 시드니 오페라하우스, 오클랜드 공항, Louis Vuitton, Tiffany & Co. 등 세계적인 기업을 비롯해 사무실, 대학, 레스토랑, 호텔 및 도서관 등 다양한 분야와 공간에서도 만나볼 수 있다. ▲CABIN BOOTH Lounge Seating 모든 것은 원통에서 시작됐다. 통나무 오두막에서 발견된 단순한 교차 패턴은 디자인에 관한 영감이 되었고, 디자이너는 이를 참고하여 유연하면서도 독특한, 장난스러운 모습의 의자를 완성했다. 다양한 직경과 여러 크기를 실험한 끝에 등받이와 팔걸이에 딱 맞는 사이즈를 찾아냈고, 여러 개의 원통은 편안한 안락의자로 재탄생했다. ▲CONFETTI OTTOMAN Ottomans 세련된 형태와 과감한 텍스처의 균형을 맞춘 Confetti 컬렉션은 100% 플라스틱 재활용품으로 제작됐다. 여기에 자투리 색종이를 더해 화려한 무늬를 입혔고, 흩뿌려진 색종이들은 각 제품마다 동일한 모양 없이 개성 강한 디자인을 자랑한다. ▲THEM CHAIR Chairs 목재 의자에 금속 프레임을 더해 새롭게 태어난 Theme Chair. 견고하고 컴팩트한 디자인은 클래식한 형식을 존중한다. 곡선형 좌석은 이전 콘셉트를 그대로 가져와 새롭게 더해진 의자 프레임과 조화롭게 융화되었고, 천연 목재 무늬가 돋보이는 디테일로 의자를 마무리했다. ▲CONFETTI MODULAR LOUNGE Lounges & Sofas 호주에서 제작된 Confetti Modular Lounge는 다양한 베이스, 폭, 높이, 모양 등을 선택할 수 있는 모듈이 마련되어 있다. Sarah Gibson과 Nicholas Karlovasitis는 재활용 플라스틱이 재미있는 재료라 생각했고, 이를 사용해 시각적으로 대담하고 유혹적인, 장난기가 넘치는 다양한 라운지 의자를 제작했다. ▲CABIN SEAT Lounge Seating Cabin 의자는 수수하고 심플한 디자인으로 어느 장소에나 쉽게 어울리며 다양한 구성이 가능한 올라운더 제품이다. 안락의자, 라운지, 소파, 오토만 등 다양한 제품으로 구성된 컬렉션은 가정 혹은 사무실에 배치되는 순간 매력적인 공간을 형성한다. ▲PIPER PILL DINING TABLE Cafe & Dining Tables Piper 컬렉션은 작은 테이블, 큰 테이블, 실내외 사용을 위한 커피 테이블 등을 포함해 다양한 크기와 시리즈가 제공된다. 테이블 상판은 컴팩트한 합판으로 마감해 시각적으로 가벼워 보이게끔 디자인됐다. 또한, 스튜디오는 테이블의 사용이 끝나면 재사용 및 재활용을 위해 제품을 수거해가는 관리 서비스를 실시하고 있다. ▲CONFETTI WASTE BIN Accessories 재활용 플라스틱으로 새롭게 탄생한 색종이 휴지통 Confetti Waste Bin. 무심코 지나치는 보잘것 없는 쓰레기통에 생동감 있는 독특한 미관을 가져다 주었다. 사무실과 가정에 모두 적합한 이상적인 사이즈와 내구성이 뛰어난 Waste Bin은 100% 재활용 플라스틱으로 손쉽게 세척이 가능하다. ▲RADIAL CLOCK Accessories 견고한 황동으로 전부 마감한 Radial Clock은 우아하게 벽을 장식해준다. 단순하면서도 기하학적인 형태는 어느 곳에서나 잘 어울리며 밋밋한 공간에 포인트를 더해준다. ▲PIPER STOOL Bar Stools 실내용 제품의 품질과 실외용 제품의 내구성을 결합하여 가볍고 다재다능한 의자로 탄생한 Piper Stool. 의자는 공간에 맞는 다양한 색상과 장식을 선택할 수 있다. 좌석에 적용된 대조적인 컬러 조합은 건물에서 창문과 아치가 강조되는 것과 같이 디자인을 더욱 돋보이게 만들어준다. ▲CONFETTI CANTILEVER SIDE TABLE Coffee & Side Tables 재활용 플라스틱의 아름다움을 응축하여 클래식한 디자인과 과감한 텍스처 사이의 균형을 맞춘 사이드 테이블. 100% 재활용 플라스틱이 베이스인 상단은 심플한 형태를 띠고 있으며, 캔틸레버 구조로 사용자가 가깝게 테이블을 두고 사용할 수 있어 활용도가 높은 제품이다. ▲PICKET ROOM DIVIDER Accessories Picket에는 자외선을 막아주는 성분이 포함되어 있다. 뿐만 아니라 방수 기능도 적용되어 실내는 물론 야외에서도 사용하기에 적합하다. 화이트, 그레이, 옐로우, 오렌지, 그린 등 다양한 색상이 마련되어 있어 취향에 따라 제품을 선택할 수 있다. 하나의 조각을 접어 만든 칸막이는 ‘C’, ‘Z’ 모양으로 변형 가능하다. ▲CABIN ARMCHAIR Lounge Seating Cabin 안락의자는 사용자의 기호에 맞게 등받이를 앞뒤로 움직이거나 완전히 분리할 수 있는 원통 부품이 장착되어 있다. 시트는 가죽과 패브릭 중 선택할 수 있으며 컬렉션 중 하나인 오토만과 함께 사용하면 더욱 안락한 편안함을 느낄 수 있다. ▲BUTTER SEAT Armchairs Design by them은 오늘날 사용되는 무수한 플라스틱에 대한 대응으로 이 의자를 만들었다. 버려진 플라스틱 우유 패키지를 활용한 Butter seat 실내외 모두 사용하기에 적절하다. 평평한 조각으로 배송되는 제품은 유통 과정에서 발생하는 환경 오염의 영향을 최소한으로 줄였으며, 튼튼한 구조와 텍스처 표면은 제품의 견고성과 수명을 보장한다. 의자는 수명이 다해도 다시 재활용으로 사용할 수 있다. ▲CONFETTI PILL DINING TABLE Cafe & Dining Tables 재활용 플라스틱의 자연스러운 질감을 아름답게 표현한 Confetti Table. 타원형의 클래식한 상판과 이중 받침대의 베이스가 돋보이는 테이블은 식사 혹은 모임에 사용하기 적절하다. 스튜디오는 Confetti 컬렉션을 디자인할 때, 완성품만이 아니라 제작 과정을 비롯한 모든 측면에서 지속가능한 방식에 초점을 두었다. 원통형 모듈 형태는 테이블뿐만 아니라 여러 제품에도 동일하게 적용되어 생산 과정에서 만들어지는 자재 폐기물을 줄일 수 있었다. ▲AUGUST ARMCHAIR Armchairs August는 구조화되지 않은 자유로운 모양과 여러 색상의 블록 스케치로부터 시작됐다. 특정되지 않은 직사각형의 블록은 디자이너의 마음을 사로잡았고, 이에 대한 탐구가 이어졌다. 디자인의 바탕은 조립과 건축적인 기능이었고, 패브릭과 스티치 디테일은 부드러운 형태를 완성하는 데 없어서는 안될 필수적인 요소였다. ▲FENSTER LOW STOOL Stools 의자와 스툴, 낮은 걸상으로 이루어진 Fenster 시리즈는 우아한 비율과 무광택 블랙 컬러의 길고 가느다란 다리가 특징이다. 투명한 좌석과 등받이는 금속 프레임을 그대로 노출하며, 그 자체가 하나의 디자인적인 요소로 변모된다. 빅토리아 시대 영국 철기 제작자들이 제작한 강철 창틀에서 영감을 받아 탄생한 의자는 빛과 어둠, 가벼움과 구조적인 대조를 잘 살려냈다.

나오이플러스파트너스

나오이플러스파트너스는 박민용 이탈리아 공인건축사와 나오이 일본 건축사가 함께 작업하는 건축사무소다. 다채로운 국적과 경력의 파트너가 서로 배우고 경험한 것을 조화롭게 융합하여 동서양의 다양한 건축물을 선보이고 있다. 나오이플러스파트너스는 건물만을 디자인하지 않는다. 좋은 삶은 좋은 공간과의 관계에서 나온다고 믿으며, 건축물이 지어질 장소와 도시의 관계를 함께 이해하고 그에 적합한 내외부 공간을 디자인한다. 나오이플러스파트너스 WEB: www.naoipartners.com EMAIL: naoikorea@gmail.com CONTACT: 02-579-1835 INSTAGRAM: @architectgruppo_naoipartners

SUBTEXT

서울을 기반으로 활동하는 SUBTEXT. 이들은 언어로 표현할 수 없는 생각과 느낌을 은유적 방식으로 보이지 않는 부분까지 디자인한다. 이들은 삶의 다양한 부분을 관찰을 통해 받아들여 새롭게 해석하고, 이를 다시 은유적으로 공간에 녹여내 새로운 스토리를 탄생시킨다. 이와 동시에 공간을 접한 이들에게 규정할 수 없는 공간의 추억을 만드는 작업이다. SUBTEXT_UNIT은 디자이너 그룹이자 UNIT의 개성 강한 집합체다. SUBTEXT WEB: subtext.co.kr EMAIL: subtext@subtext.co.kr CONTACT: 02-516-3639

Muller Van Severen

벨기에 디자이너 듀오의 스튜디오 Muller Van Severen은 2011년 설립됐다. 포토그래퍼 출신 Fien Muller와 조각가인 Hannes Van Severen 두 사람 모두 예술가로서, 현대적이면서도 혁신적인 방법으로 예술과 디자인의 경계를 탐구하며, 기능성에 관해 창의적이면서도 상상력이 풍부한 접근법을 채택한다. 돌을 깎아내어 조각을 만들 듯, 이들은 가구 역시 유사한 방식으로 접근하는 것에 흥미를 보이며, 주변 공간에서 영감을 얻는다. 예술, 건축, 재료에 대한 이들의 열정과 세심한 연구는 곧 작품에 고스란히 나타난다. Muller Van Severen의 가구를 보고 있으면 마치 어린아이가 흰 도화지에 크레용으로 그림을 그린 것처럼 직관적이면서도 단순하게 느껴진다. 그러나 이들의 작품은 가벼움과 무거움, 엄격함과 장난스러움, 섬세함과 견고함 사이의 아슬아슬한 줄타기로 완성된다. 재료에 대한 열정은 두 사람의 디자인의 출발점이며, 재료의 자연미를 그대로 보여줄 수 있는 새로운 방법을 끊임없이 연구한다. 매력적인 색감과 비율, 건축적 공간과의 친화력, 조각적 형태에 대한 관심과 집중은 Muller Van Severen의 세계를 매혹적으로 완성한다. 한 편의 시와 같은, 상상력과 미학을 자극하는 스튜디오의 제품은 우리 생활에 자연스레 녹아들어 독특한 풍경을 디자인한다. ▲THE PILLOW SOFA Seat KASSL 에디션으로 제작된 Pillow 소파는 모듈식 디자인으로 3개의 베개가 서로 붙어 있는 원형 좌석의 구조를 띄고 있다. 마치 가죽처럼 보이는 표면은 방수 가공하여 반짝이는 광이 돋보이는 코튼 소재이다. 쿠션은 일체형 밴드와 함께 고정되어 있으며 장난스러운 컬러 팔레트가 매력적인 제품이다. ▲SOFA CAVROIS Seat 건축가 Mallet Stevens의 모더니즘 명작에서 영감을 받아 탄생한 소파 Cavrois. 소파는 Wire s# 시리즈와 비슷한 형태를 이루면서도 따뜻한 리넨 원단과 우아한 놋쇠로 다리를 마무리해 차별화했다. 추상적인 조형미가 돋보이는 이번 작품은 서로의 공간에서 함께 또 따로 앉을 수 있게끔 이용자를 배려했다. ▲ALU CHAIR Seat Alu 의자는 이름 그대로 알루미늄으로 제작됐다. 비왁스 처리 및 자외선 방지 작업으로 실내와 야외에서 모두 사용하기에 적합하다. Muller Van Severen은 16가지의 색상 조합을 만들었다. 의자의 색깔은 공간의 분위기를 좌우하며, 스튜디오는 사용자가 다채로운 색채의 풍경을 만들어나가길 원했다. ▲CEILING LAMPS N°4&5 Lamps Valerie Objects의 5주년을 축하하는 자리에서 Muller Van Severen은 두 개의 특별한 조명을 만들었다. 조명 n°4와 n°5는 마치 천장에 뱀이 매달린 것 같은 모습을 떠오르게 한다. 본질적인 형태는 최소한의 개입으로 탄생했으며, 그 생김새는 묘한 분위기를 자아낸다. 강철로 제작된 조명은 구부러지지 않는다. ▲SHELF Accessories Muller Van Severen은 우리가 매일 사용하는 가구의 단순화에 중점을 두고 있다. 4개의 조각으로 구성된 심플하고 깨끗한 선반은 가구의 기본적인 본질을 상기시킨다. 선반은 오직 하나의 강철판으로 이루어져 있으며 별도의 부품 없이 벽에 고정할 수 있다. 선반의 우아함을 강조하기 위해 5가지의 색상으로 출시됐다. ▲MARBLE BOX Cabinet Marble box는 2011년 Muller Van Severen의 최초의 전시회 일부 작품이다. 이 박스는 단순한 모양과 대리석의 복잡하고 풍부한 표현력을 표면에 결합한 것이다. Fien Muller는 어린 시절 17세기 그림과 물건들이 가득한 집에서 자랐고 이는 작품에 커다란 영향을 미쳤다. 미니멀리즘 디자인의 박스는 각각 다른 패턴을 가지고 있으며, 대리석에 대한 새로운 사랑을 불러일으킨다. ▲ALLTUBES CABINET HIGH Cabinet ▲WOODEN TABLES Table ▲CARPET BLUE - GREEN Limited editions Carpet blue-green은 Muller Van Severen이 디자인한 최초의 카펫이다. 수공예와 고급 카펫 등으로 유명한 Ashtari와의 콜라보레이션 작업으로, 2016년 코르트리크 Biennale Interieur에서 처음 선보였다. 카펫은 티베트, 파슈미나 양모, 캐시미어 실크로 구성되어 있다. 비단과 양모가 결합된 카펫은 놀랍도록 부드러운 촉감을 자랑하며, 카펫 위에 새겨진 삽화는 Fien Muller의 사진 작업에서 비롯된 조각들로 수놓았다. ▲SOLO SEAT GRANITO Seat Solo seat granito는 Duo seat와 비슷한 시기에 제작됐다. 가죽과 강철 프레임이라는 기본적인 개념으로 좌석을 만들었으며, 가죽은 세월의 흐름과 함께 아름답게 변화한다. 프레임은 산뜻한 화이트와 강렬한 레드 두 가지 색상을 선택할 수 있으며, 두 컬러 모두 가죽과 완벽하게 조화를 이룬다. ▲ROCKING CHAIR Seat 흔들의자를 만드는 데 시간을 투자하는 디자이너는 그리 많지 않다. 대부분의 창작자들은 그것이 불필요하며 별나다고 생각한다. 그러나 Muller Van Severen은 흔들의자에 항상 흥미를 느껴왔고, 그들과 정반대의 생각을 가졌다. 시각적인 가벼움이 매력적인 흔들의자는 어느 공간에서나 눈에 띄며 미학적인 존재감을 드러낸다. ▲ALU ROUND TABLE S Table “두 개의 원과 튜브 하나만 있으면 돼”라고 말한 Muller Van Severen은 다양한 금속 처리 방법에서 영감을 받아 원형 테이블을 완성했다. 미니멀한 형태와는 대조적으로 섬세한 디테일과 용접 흔적이 눈에 띄지 않는 깔끔한 마무리로 테이블을 디자인했다. 알루미늄으로 코팅된 상판은 녹슬지 않는 질감을 선사하며, 미의 균형을 맞추기 위해 부드러운 색상을 더했다. ▲STANDING LAMP N°1 Lamp Standing lamp는 이전 Muller Van Severen이 보여주었던 Hanging lamp의 연속 선상이라 볼 수 있다. 램프는 어찌 보면 유동적인 곡선에 지나지 않으며 그저 그 끝에 전구가 부착되어 있을 뿐이다. 램프가 땅에 서 있어야 하기 때문에 두 개의 작은 선은 다리가 되었다. 심플한 디자인은 많은 관심을 유도하지 않지만, 한편으로는 장난스러운 모습으로 우리의 시선을 사로잡는다. 램프는 그린, 블루, 블랙 등 다양한 색상을 선택할 수 있다.

[Interview] 디자인 스튜디오 - 김종호 디자이너

소통이 없는 창의력, 독창성은 아무런 의미를 가질 수 없다.디 자인 스튜디오 김종호 대표 미국 유타주립대학교에서 환경설계학과를 졸업하고 영국과 미국에서 건축, 환경설계학 박사 과정을 거쳤다. 이후 해외에서 실무를 쌓다가 귀국해서 1999년 디자인 스튜디오를 설립했다. ASID(미국 인테리어 디자이너 협회) 선정 <세계의 뛰어난 디자이너>에 아시아인로서는 최초로 소개된 바 있으며, 다수의 디자인 어워드를 수상했다. 2012년부터 2014년까지는 KOSID(한국실내건축가협회)의 회장을 역임한 후 지금까지 명예회장을 맡아 공간 디자이너들에게 많은 자극과 영감을 주고 있다. 대표 프로젝트로는 MACAO PARADISE HOTEL, INTERCONTINENTAL KUMHO ASIANA SERVICED RESIDENCE, GT TOWER 등이 있으며, 최근 국내 최초의 웰니스 호텔 PARK ROCHE 프로젝트를 통해 IF DESIGN AWARD 인테리어 부문 본상을 수상했다. 새턴바스 전시장 63 F&B Renewal GT TOWER Q. ‘디자인 스튜디오’에 대한 소개를 부탁한다. A. 디자인 스튜디오는 내가 유학 생활을 마치고 귀국해서 1999년도에 설립한 건축/인테리어 스튜디오다. 디자인을 매개로 하는 전문가들의 집단을 만들고자 문을 열어 어느새 20년이 됐다. 디자인 스튜디오는 크게 설계본부, 기술부서, 경영부서로 이루어져 있다. 약 65명의 유능한 직원들이 근무하고 있으며, 하이엔드 레지던스나 호텔 프로젝트에 특화되어 있다. 디자인 스튜디오는 20년 전부터 지금까지 ‘디자인에 대한 꿈이 있고, 끼가 있는 사람이라면 누구나 들어오고 싶은 회사’가 되는 것을 목표로 하고 있다. Q. 특히 고급 주거 공간, 호텔이나 리조트 프로그램이 눈에 띈다. 김종호 대표에게 가장 인상 깊었던 작업이 있다면 무엇이었나? A. 종종 매체에서 받곤 하는 질문인데, 답하기 쉽지는 않다. 물론 주거 프로젝트 중에서는 프라이버시를 위해 명확히 밝힐 수 없는 VIP들의 주택, 펜트하우스 작업이 대다수다. 그 외에도 디자인 스튜디오는 우리나라의 인테리어 사무실 중에서 해외의 Hospitality 프로젝트를 가장 많이 해본 스튜디오 중 하나일 것이다. 베트남 인터콘티넨탈 호텔, 마카오의 마스터플랜 프로젝트 두 개, 일본의 프로젝트와 작년까지 1차, 2차로 작업했던 하와이의 콘도미니엄 프로젝트 등 많은 프로젝트들이 기억에 남지만, 최근까지 포함하면 아무래도 평창의 PARK ROCHE를 꼽을 수 있을 것 같다. PARK ROCHE 메인 로비 Q. 작년 PARK ROCHE 프로젝트로 iF Design Award 인테리어 부문 본상을 수상했다. 이 프로젝트에 대해 간략하게 설명을 부탁한다. A. PARK ROCHE는 지난 2018년 평창에서 열린 동계 올림픽을 위한 호텔 프로젝트였다. 기한은 올림픽 전까지 완공이었는데, 여러 가지 일정도 있고, 중간 단계에서 프로그램이 변했기 때문에 매우 촉박했던 작업이었다. PARK ROCHE는 처음부터 호텔로 계획된 것이 아니고, 우리나라에서 흔히 하는 콘도 식으로 개발하던 중에 호텔 프로그램으로 바뀐 케이스다. 때문에 그동안 해왔던 설계가 다 무산되고, 기한 내로 설계를 완전히 새로 해야 했다. 설계를 새로 한다는 것은 결국 새로운 스토리를 찾아야 한다는 것인데, 우리는 PARK ROCHE가 자리한 ‘숙암리’라는 지명에서 새로운 스토리를 찾았다. 이곳은 옛 맥국(貊國)의 갈왕(羯王, 가리왕)이 고된 전쟁을 피하여 정선 이 지역에 머물며 암석 밑에서 하룻밤을 유숙하고 숙면을 취했다 하여 숙암리(宿岩里)라고 불렀다고 한다. 또한, 이 지역에는 자작나무가 우거져 풍부한 자연요소를 즐기기 좋은데, 우리는 여기에서 모티프를 얻어 바위와 나무 등 주변을 둘러싼 아름다운 자연을 내부 공간으로 끌어들여 ‘내부에서 외부의 자연을 느낄 수 있는 공간’으로 만들고자 했다. PARK ROCHE 시그니쳐 홀 PARK ROCHE 바 Q. PARK ROCHE는 우리나라 최초의 웰니스 호텔이라고 들었다. A. 평창 동계올림픽을 위해 PARK ROCHE를 준비했지만, 우리는 올림픽 이후의 PARK ROCHE에 대해서도 고민했다. 사이트는 관광 요소라 할만한 것이 없는 시골이었기 때문에 호텔 자체가 경제적으로 생존할 수 있는 방향을 고민하다가 웰니스 호텔이라는 해답에 닿은 것이다. 우리나라에는 아직 그 개념이 익숙지 않은데, 유럽이나 미국에는 이미 많다. 웰니스 호텔(Wellness Hotel)이란, 쉽게 말해서 호텔이 스테이(Stay)의 개념이 아니고 호텔 자체가 여행에서 최종 목적지(Final Destination)가 되는 곳이다. 호텔 밖으로 관광을 하러 돌아다니는 것이 목적이 아닌, 호텔 내에서 제공하는 여러 가지 힐링 프로그램을 통해 재충전하고, 일상으로 복귀하는 것이 목적이 되는 호텔이다. PARK ROCHE는 스파, 요가, 수면 센터 등 쉼을 위한 공간과 프로그램으로 이루어져 있으며, 우리는 투숙객들이 자연 속에서 온전한 휴식을 취할 수 있도록 자연을 디자인적으로 내부 공간에 풀어내 공유하고자 했다. 프로젝트가 마무리되고 긴장이 풀리니까 한 달 정도는 앓았던 것 같다. 그래도 미디어에서 주목하고, 해외의 어워드에서도 인정해주고, 무엇보다도 클라이언트가 무척 만족했다는 것이 가장 뿌듯했다. Boree Hotel BAR & CAFETERIA Q. 공간과 디자인에 대한 철학이 있다면? 공간 디자인에 있어서 가장 중시하는 것이 있다면? A. 디자인은 창의적(Creative)이어야 하고, 독창성(Originality)을 갖춰야 하며, 늘 혁신(Innovation)을 추구해야 한다고 생각한다. 그런데 이 모든 것들은 바로 소통(Communicaton), 특히 클라이언트와의 소통을 전제로 한다. 디자인은 응용예술이고, 디자이너는 클라이언트가 없으면 존재하지 않는 직업이다. 클라이언트와의 소통이 없는 창의력, 독창성은 아무런 의미를 가질 수 없다. 클라이언트와의 소통을 통해 그가 무엇을 필요로 하는지 명확히 파악하는 것이 가장 중요하다. 때문에 클라이언트의 목적에 맞는 범위에서 창의력과 독창성을 가진 디자인을 하는 것이 바람직한 디자이너의 자세라고 생각한다. 그런데 젊고 야망이 넘치는 디자이너들을 보다 보면, 디자인 밸류를 너무 생각하다 보니 클라이언트가 필요로 하는 목적을 잊어버리고 디자인만 춤을 추는 공간을 만들어내는 경우도 많이 보게 된다. 어떻게 보면 클라이언트를 이용해서 개인의 디자인적 욕심을 채우려다 보니 이런 경우가 발생한다. 그러면, 이렇게 완성된 공간은 누구를 위한 공간인가? 훌륭한 디자이너라면 스스로의 디자인적인 욕심을 자제할 줄도 알아야 한다. Q. 김종호 디자이너는 현역 디자이너들 중 선배 디자이너에 속한다. 회사의 직원들이나 후배 디자이너들에게 조언을 해준다면? A. 늘 직원들에게 이야기하는 것이 있다. 겸손한 디자이너가 되라는 것. 디자이너는 자기 재주를 뽐내는 직업이 아니다. 좋은 디자이너는 내가 나의 실력을 뽐낸다고 해서 되는 것이 아니라 내가 얼마나 목적에 부합하는 공간을 만들어서 클라이언트에게 제공하는지에 따라 남들이 평가해주는 것이다. 결국 좋은 디자이너는 클라이언트가 만드는 것이라고도 볼 수 있겠다. Boree Hotel LOUNGE Q. 디자인 스튜디오와 김종호 디자이너에게 앞으로의 계획이 있다면? A. 디자인 스튜디오는 많은 직원들의 팀워크를 통해 지난 20년간 발전해왔으며, 성장을 이어가고 있다. 우리 스튜디오에는 짧게는 5년, 길게는 20년 이상 일하고 있는 직원들이 대부분이다. 그동안 우리의 작업 역시 여러 직원들의 팀워크를 통해 좋은 평가를 받을 수 있었다. 때문에 앞으로도 나와 디자인 실장들의 팀워크, 실장들과 팀원들 간의 팀워크를 유지하면서 멋진 작업을 이어나갈 계획이다. 회사의 대표로서는, 언젠가 내가 회사를 떠나더라도 설계실의 본부장, 디자인 실장을 필두로 모든 직원들이 합심해서 더욱 멋진 디자인 스튜디오로 꾸려갈 수 있도록 이런저런 준비를 하고 있다. 회사 차원에서는 그렇고, 개인적으로는 디자인을 조금 더 대중화하고 많은 사람들이 조금 더 디자인의 가치를 느낄 수 있는 프로젝트, 길이 있다면 해보고 싶다. 지난 2014년, 아직 KOSID의 회장으로 재임 중일 때 강북구의 어느 경로당을 리모델링한 적이 있었다. 완성하고 나니 경로당을 찾는 노인분들이 생각보다도 더 좋아하는 모습을 보고 굉장히 보람을 느꼈다. 때문에 공간 디자인이든, 제품이든 앞으로는 더 많은 사람들이 디자인의 혜택을 누릴 수 있는 작업을 하고 싶다는 생각이다.

리움건축사사무소

이문형 건축사는 2016년 리움건축사사무소를 개소했다. 사무소의 모토는 사람들과 상생하며 정직하게 건축을 고민하고, 동행할 수 있는 결과물을 만드는 것이다. 자연을 존중하며 대지의 흔적을 중요히 여기고 작지만 긍정적인 변화를 가져올 수 있는 건축을 지향한다. 이문형 건축사는 건축이라는 범주를 중심으로 다양한 접목을 시도하며 공공 미술 작업도 병행하고 있다. 협성대학교에서 겸임교수로 재직 중이며 나주마을미술프로젝트, 태백마을미술프로젝트 작가로 참여, 2017년 A’ Design Award 은상을 받은 바 있다. ㈜리움건축사사무소 WEB: www.riumarchitects.com EMAIL: seascent@hanmail.net CONTACT: 070-4166-9451 INSTAGRAM: @seascent

문화공간어쏘시에이트

문화공간어쏘시에이트는 신념과 양심을 갖춘 디자인팀과 엄격함을 약속하는 시공팀으로 구성된 디자인스튜디오다. 인간과 인간, 인간과 환경을 살리는 디자인으로 사람과 자연의 가치를 회복하고, 공간에 삶의 상상력을 불어넣는 작업을 추구하고 있다. 문화공간어쏘시에이트는 공간에 메시지를 담고 스토리와 공감, 치유를 이끌어내는 작업을 지향한다. MUNHWAGONGGAN ASSOCIATE / 문화공간어쏘시에이트 WEB: www.munhwaspace.com EMAIL: mhsa0925@naver.com CONTACT: 02-565-4230

[Interview] 유현준건축사사무소 - 유현준 건축가

건축과 도시, 인간에 대한 생각. 유현준건축사사무소 유현준 건축가 유현준은 홍익대학교 건축대학의 교수이자 유현준건축사사무소 대표 건축가이다. 연세대학교에서 학사를, MIT에서 건축설계 석사(M.ARCH)를 마쳤으며, 하버드대학교 건축설계 석사 우등졸업(M.ARCH WITH DISTINCTION)을 하였다. 이후 리처드마이어사무소에서 실무 경력을 쌓았다. CHICAGO ATHENAEUM ARCHITECTURE AWARD, GERMAN DESIGN AWARD 등 20여 차례 국내외 건축상을 수상하였다. <도시는 무엇으로 사는가>, <어디서 살 것인가>, <모더니즘 동서양 문화의 하이브리드>등의 저서가 있다. The Void ⓒ Youngchae Park Q. 유현준건축사사무소에 대한 소개를 부탁한다. A. 유현준건축사사무소는 2007년 문을 열어 올해로 13년 차를 맞이한 작은 아뜰리에 사무실이다. 15명 정도의 직원들이 일하고 있으며, 주거 공간, 상업 공간 가리지 않고 여러 건축 설계 작업을 하고 있다. 특히 최근에는 공공건축물 현상 설계 몇 개가 당선되어 공공 건축도 많이 하고 있다. Q. 로버트 벤투리, 프랭크 게리와 더불어 미국을 대표하는 제3세대 건축가 중 한 사람으로 꼽히는 리처드 마이어 사무소에서 실무를 익혔다. 어떤 것을 배웠나? A. 구체적으로 무엇을 배웠는지 묻는다면 설명하기가 어렵다. 물론 건축적인 부분에서는 그동안 접하지 못했던 디테일이라던가, 재료의 활용에 대한 것도 있지만, 책으로는 배우지 못하는 다른 부분의 것들을 더 많이 보고 배운 것 같다. 그분이 건축사무소를 운영하는 방식, 부하 직원을 대하는 방식, 클라이언트와 프로젝트를 대하는 태도처럼 말이다. 처음 리처드 마이어를 만났을 때 굉장히 멋있다고 생각했다. 건축계의 노벨상이라 불리는 프리츠커상을 최연소 수상한 그에게서는 어떤 아우라 같은 것이 느껴졌다. 나를 포함해서 같이 일하던 친구들도 비슷한 것을 느낀 것 같다. 그래서일까, 그의 밑에서 함께 일하는 건축가들도 서로를 인정하고 존중하는 것 역시 굉장히 인상적이었다. The Void ⓒYoungchae Park Q. 건축에 대한 철학이 있다면? A. 기본적으로 건축은 사람의 관계를 디자인하는 것이다. 여기서 사람의 관계란, 사람과 사람의 관계, 사람과 자연의 관계, 사람과 공간의 관계 등을 말한다. 그런 관계들을 컨트롤하고 디자인하는 것이 건축설계라고 생각한다. 때문에 설계를 할 때에도 ‘내가 만든 공간에 사람이 들어갔을 때 어떤 관계가 형성될 것인가’를 많이 고민하고, 창문, 문, 벽, 천장, 지붕, 바닥 등의 요소를 통해 공간을 만들어서 세심하게 ‘관계’를 조율하는 것이 건축가의 역할이라 보고 있다. Q. ‘인문 건축가’라고도 불리고 있다. A. 처음 ‘인문 건축가’라는 말을 들었을 때 닭살이 돋고 몸 둘 바를 모르겠더라. (웃음) 사실 나뿐만이 아니라 모든 건축가는 인문 건축가라고 볼 수 있을 것 같다. 인문이 사람에 대한 학문이라고 정의한다면, 건축만큼 인문학적인 학문은 없는 것 같다. 건축설계는 벽, 바닥, 천장을 만들기 위한 것이 아니다. 벽과 바닥과 천장이 만드는 공간을 사람이 사용하기 위해 우리는 건축물을 짓는 것이다. 때문에 근본적으로 모든 건축 디자인의 최종적인 목표는 인간이 될 수밖에 없다. Mug Hakdong ⓒYoungchae Park, Juneyoung Lim Q. 공공 건축 중에서도 교육 공간의 중요성에 대해 깊은 관심을 가지고 있다. A. 사회 전반적으로 보았을 때 우리나라 사람들은 다양성에 대한 존중이 조금 부족한 성향이 있는것 같다. 여기에는 학교 건축이 큰 역할을 한다. 우리의 일반적인 학교의 모습은 흡사 교도소 같기도, 혹은 군부대 막사 같기도 하다. 이는 학생들이 집단으로 움직이게 하고, 그것을 효율적으로 통제하기 위한 의사결정에서 나온 건축 디자인이다. 이런 교육 공간에서 12년을 생활하는 아이들은 나와 다른 것을 인정하지 않고, 다른 것을 틀렸다고 생각하는 어른으로 자라게 된다. 그래서인지 나는 건축가로서 하드웨어적으로 이런 부분을 해결하는 데에 관심이 많다. 나는 모든 학교가, 학급이 서로 다른 모습이어야 한다고 생각한다. 1학년 때는 마당에 연못이 있는 교실에서, 2학년이 되면 삼각형 모양의 교실에서, 전학을 가면 또 다른 모습의 학교에서 자라는 아이들은 지금보다 훨씬 독창적이고, 서로의 다양한 생각을 존중하는 어른이 될 것이다. Kangaroo House ⓒYoungchae Park WIND FENCE ⓒ Kyongsub Shin, Youngchae Park Q. 주거공간을 소유하지 않고 공유한다는 요즘의 추세에 대해 유현준 교수의 생각이 궁금하다. A. 개인적으로는 셰어하우스나 청년임대주택이 주목받는 것이 썩 달갑지는 않다. 특히 기업 차원의 대규모 셰어링 하우스는 주택을 소유할 수 있는 자본가들만 지주가 되거나, 청년임대주택은 정부가 지주가 될 수밖에 없는 구조다. 이런 구조에서 사회 초년생이 월세를 전전하다가 언젠가는 집을 살 수 있을까? 절대 그렇지 않다. 청년들 대부분이 세입자로 살거나 자가를 소유하지 못하는 세대주들이 늘어나는 등의 부동산 문제는 중산층이 내려앉는 가장 큰 이유 중 하나다. 그래서 나는 셰어링 하우스나 청년임대주택처럼 세입자가 늘어나는 것보다는, 대다수의 사람들이 자기만의 집 한 채는 소유할 수 있는 사회가 건전하고 좋은 사회라고 생각한다. 세종산성교회 ⓒKyongsub Shin, Youngchae Park Q. 집이 없어서 결혼을 안 하고 아이를 낳지 않는다는 1-2인 가구도 급증하고 있다. A. 현재 우리나라의 주택공급률은 1,700만 채 정도다. 그래서 일부에서는 인구가 5천만 이상으로 증가하지 않고, 저출산 시대에 접어들고 있기 때문에 집을 더 지을 필요가 없다고 말한다. 그런데 이런 생각에는 오류가 있다. 5천만 인구를 4인 가구 기준으로 보면 우리나라에는 대략 1,250만 채의 주택만 있으면 된다고 생각하기 때문에 주택이 충분히 공급됐다고 착각하는 것이다. 실제로는 1-2인 가구가 증가하면서 가구가 쪼개져서 더욱 많은 주택이 필요해졌다. 4인가구만을 기준으로 주택공급률을 계산할 것이 아니라, 1-2인가구 등 다양해진 세대 구성을 모두 고려해 주택공급률을 검토해야 하는 것이다. 물론 투기목적으로 한 사람이 여러 채의 주택을 소유하는 것을 제도적으로 방지할 필요도 있지만, 1-2인 가구를 위한 더 작은 규모의 주택도 더욱 충분히 공급되어야 한다. JJJ ⓒKyongsub Shin, Youngchae Park Q. 1-2인 가구를 위한 더 작은 규모의 주택이란? A. 우리는 80년대에 4인 가구를 기준으로 25-30평 규모의 집을 대량으로 시장에 공급했다. 이 시기는 세대 구성이 핵가족으로 변화하면서, 부부가 방 하나, 두 자녀가 각자의 방을 쓰는 경우가 대다수였기 때문에 25-30평에 방 3개짜리의 집이 중산층의 표본이 된 것이다. 1-2인 가구가 60%를 초과하는 지금은 15평 규모에 3평 정도 되는 발코니가 있는 집이 새로운 중산층의 표본이 되어야 한다고 생각한다. 한 사람이 하루 중 집 안에서 보내는 시간은 그때보다 1.5배 증가했다. 요즘에는 집에서 업무도 보고, 취미생활도 즐긴다. 또, 소유하는 물건의 수는 점점 늘어나고 있고, 스타일러, 건조기처럼 새로운 가전제품도 점점 많아지고 있다. 때문에 한 가지를 덧붙이자면, 벽식 구조보다는 기둥식 구조로 설계해서 집을 유연하게 사용할 수 있도록 하는 것이 좋을 것 같다. 1-2인 가구가 자녀를 낳으면 필요에 따라 우리 집을 옆집까지 확장도 하고, 방을 구성하는 등 공간을 가변적으로 사용할 수 있도록. Q. 유현준 건축가가 바라보는 건축, 도시의 미래는? A. 우리는 지금 건축과 도시, 나아가 우리 사회 전체가 변화할 수 있는 기점에 서 있다. 시대의 흐름과 더불어 유례없는 전염병의 유행은 온라인 강의, 재택근무 등의 형태를 통해 이제는 우리의 학교, 주거 공간, 업무 공간이 새롭게 바뀔 수도 있다는 인식을 일깨워줬다. 또한, 언택트 소비의 비중이 증가하면서 앞으로는 서울 시내 연면적의 30%를 차지하는 상업 공간에 대한 수요가 줄고 점점 빈 공간이 늘어날 것이다. 그러면 이 비어있는 공간을 어떻게 재구성할 것인지가 핵심이라 할 수 있다. 여기에는 앞서 언급한 새로운 형태의 교육 공간, 혹은 1-2인 가구를 위한 새로운 주거 등이 프로토타입으로 제시될 수도 있겠다. 지금을 기점으로 새로운 라이프스타일을 활성화하기 위해 도시정책이 바뀌고 건축가들이 새로운 아이디어를 제시한다면, 앞으로 10년 후, 20년 후에는 건축이 달라지고 도시 구조가 바뀌면서, 그 과정을 통해 경제 활성화가 되는 등 새로운 세상이 열릴 수 있다. 지금이 미래에 대한 청사진을 그릴 최적의 시기라고 본다.

Oskar Zieta

Oskar Zieta는 폴란드의 건축가이자 디자이너, 예술가다. 판금 처리에 관한 혁신적인 방식을 개발하여 많은 예술가들이 설치 예술과 공공 미술, 디자인 작품을 마음껏 창작할 수 있도록 도움을 주면서 널리 이름을 알렸다. 1975년 지엘로나구라(Zielona Góra)에서 태어난 그는 폴란드와 스위스 대학에서 건축학을 전공했다. 2004년 스위스취리히연방공과대학(ETH) 연구원으로서 FiDU(Free Inner Pressure Forming) 기법을 완성했다. 그의 트레이드마크인 FiDU는 두 개의 평평한 금속 강판을 서로 용접한 후 고압에서 팽창시켜 3D 물체로 변화시키는 기술을 말한다. 최초로 FiDU를 선보인 곳은 2007년 밀라노 디자인 위크에서 공개한 Plopp 스툴이었다. Pompidou Centre는 “현대 디자인을 바꾼 12개의 의자 중 하나로, 지금의 클래식한 디자인”이라 평했다. Oskar는 이후로도 강철, 구리, 알루미늄 재료들로 꾸준히 실험하며 개성 강한 가구들을 선보였다. 그는 2010년 Zieta Prozessdesign이라는 이름의 스튜디오를 설립했고, 건축가, 디자이너, 기술자 등 다양한 분야의 사람들로 팀을 구성했다. 스튜디오는 주요 재료인 금속시트를 최적화하여 제작할 수 있는 최고의 솔루션을 만들어가고 있다. Oskar Zieta는 Red Dot Award 2008, YDMI 2008, Forum Aid Awards 2009, Mentor-Price 2011 등을 수상하며 실력을 인정받았고, Wire 매거진은 그의 디자인을 “미래의 가구”라 불렀다. 이 외에도 파리 퐁피두 센터, 독일의 피나코텍 데어 모데르네, 취리히 디자인 박물관 등 권위 있는 기관에서 그의 작품을 소장하고 있다. ▲ALPHABET ACCESSORIES Oskar Zieta는 FiDU 기술로 새로운 프로젝트를 시도하기 위해 타이포그래퍼, 그래픽 디자이너인 Marian Misiak에게 협업을 요청했다. 미학과 기술 분야의 논의로 가득 찼던 공동 작업의 결과는 타이포그래피의 원리와 FiDU 기술의 합작품인 Alphabet으로 완성됐다. Alphabet은 건물의 간판 혹은 실내에서 행거 또는 오브제로 실내외 공간에 구애 받지 않고 자유롭게 활용할 수 있다. ▲HOT HEART ACCESSORIES 클래식한 스타일의 행거는 2장의 금속판을 용접하고 압축기를 사용해 내부 공기압을 변형함으로써 만들어진다. Hot heart를 구매한 고객은 스튜디오가 제작한 비밀 약품이 담겨 있는 납작한 형태의 제품을 받게 된다. 200ºC 온도에서 납작한 금속판을 구우면 3차원 모양으로 부풀어 오르고, 누구나 자신의 집에서 DIY 행거를 만들 수 있다. ▲DRAB HANGER ACCESSORIES 다양한 크기로 사용할 수 있는 ‘H’ 모양의 행거 Drab은 높은 압력에서 매우 조심스럽게 용접하고 부풀려져 독특한 볼륨감과 무늬가 형성됐다. 코트, 숄, 보석, 가방, 액세서리 등 여러 물건을 걸칠 수 있다. Drab은 2011년 Lodz Design Festivals에서 ‘MUST HAVE products’로 선정된 바 있다. ▲CARBON TABLE TABLES Carbon 테이블은 내구성이 뛰어나면서도 초경량으로 만들어졌다. 미니멀리즘의 아름다운 디자인을 갖춘 테이블은 Zieta Prozessdesign의 혁신적인 두 가지 기술, FiDU와 Composite Process가 만나 탄생했다. ‘NOGI’라는 테이블 다리의 독특한 구조는 여러 종류의 금속으로 제작할 수 있으며, 최대 2m 크기의 상판을 적용할 수 있다. ▲G-CONSOLE DUO TABLES 넝쿨이나 나무 뿌리를 연상케 하는 다리 모양은 자연의 끊임없는 변화와 조화로움을 상징한다. 작은 공간을 위해 만들어진 G-Console은 Mono와 Duo 두 가지 버전으로 만나볼 수 있다. 제품을 설계하는 과정에서 테이블을 사용하는 사람의 수와 환경 등의 변수를 적용하고 소프트웨어로 작업했기 때문에 동일한 형태의 테이블은 존재하지 않는다. ▲CHIPPENSTEEL 0.5 SEATINGS Chippensteel은 구리, 알루미늄, 스테인리스 등 다양한 재료와 색상으로 제작이 가능하다. 의자의 디자인은 대량 생산을 위해 기존 프로토타입에서 재설계되었지만, 디자이너와 장인의 마무리로 또 다른 아름다움을 완성했다. FiDU 기술 덕분에 가벼운 형태를 유지하면서도 금속 특유의 질감을 그대로 느낄 수 있다. ▲G-TABLE TABLES G-Tables의 G는 Generativity(생식성, 生殖性)을 의미한다. 고객의 요구에 맞춰 형태를 제작하는 것이 가능하며, 생산되는 테이블은 동일한 디자인 하나 없이 모두 독특한 생김새를 자랑한다. ▲J-CHAIR SEATINGS J-Chair는 폴란드 현대 미술관 Jerke의 특별 요청으로 만들어졌다. 가벼우면서도 내구성이 강한, 아이코닉한 비주얼을 가진 의자는 박물관 건축 양식에서 영감을 받았다. 절단된 구조의 건물이 주는 강한 인상은 J-Chair 제작 과정에서 가장 큰 비중을 차지했다. ▲UNTERDRUCK BENCH SEATINGS Unterdruck Bench는 FiDU 기술의 활용과 가능성에 대한 연구의 결과물이다. 벤치는 공공 혹은 민간 디자인 오브제로서, 더욱 쉽게 제품을 생산할 수 있다. 독특한 구조 덕분에 다른 강철 소재의 제품들보다 저렴하게 제작이 가능하다. ▲KAMYKI ACCESSORIES 바닷가의 자갈을 떠오르게 하는 디자인과 여러 개의 반복 배치가 가능한 벽걸이 혹은 장식품 Kamyki. 스테인리스 스틸로 광택이 나도록 제작되어 벽에 부착하거나 특별한 패턴이 필요할 때 매우 사랑스러운 장면을 연출할 수 있다. 건물 밖이나 안, 출입구 혹은 로비 등 장소에 구애 받지 않으며 심플한 벽을 손쉽게 꾸밀 수 있다. 7~20cm로 각각의 크기가 다르다. ▲PAROVA VASES ACCESSORIES 이 새로운 화병은 단순해 보이지만 전혀 지루하지 않다. 초고층 빌딩의 완벽주의를 그대로 재현한 Parova 꽃병은 주변 세계의 역동성을 충실히 반영하면서도, 얼어붙은 폭포처럼 움직이지 않고 꼿꼿이 서 있다. 매끄럽게 흐르는 표면은 언뜻 차갑게 느껴지지만, 식물을 품는 순간 따스하면서도 우아한 매력이 돋보인다. ▲PIN ACCESSORIES 눈길을 사로잡는 색상과 다양한 크기로 즐거움을 선사하는 행거 Pin. 심플한 벽에 Pin을 부착하여 공간을 꾸밀 수 있다. 단순했던 2차원의 점은 용접되고 팽창되어 새롭게 태어나 공간에 생명력을 불어넣어 준다.

CA PLAN

CA PLAN은 세계 3대 디자인 어워드(Reddot, IF, IDEA)를 여러 차례 수상한 실력파 스튜디오다. 전시, 환경, 상업공간 디자인, 미디어 플랜 등 복합적이고 통합적인 디자인 분야의 프로젝트를 수행하며 ‘세상에 없던 디자인을 보여주어야 한다’라는 고집으로 독창적인 포트폴리오를 쌓아가고 있다. 새로운 가치를 창출할 수 있는, 미래지향적인 결과물을 추구하면서도 클라이언트와의 소통과 공감을 소홀히 하지 않으며 고객이 만족할 수 있는 디자인을 선보인다. CA PLAN WEB: www.ca-plan.com EMAIL: caplan.official@gmail.com CONTACT: 02-886-2211 INSTAGRAM: @caplan_official

NONE SPACE

NONE SPACE는 자신들의 취향을 강요하기보다 공간이 갖는 성격과 특성에 집중하여 그 대상만이 가지고 있는 고유한 디자인을 만들어낸다. 백지를 채워나가며 내용을 덧붙이기도 하고 화자와 필자 혹은 독자가 되어 공간을 탐닉하는 방식으로 프로젝트를 전개한다. 공간의 용도와 상업성, 지역성 등 대상의 특성에 맞는 이야기를 그려내며 브랜드의 정체성 및 철학, 방향성을 담아낼 수 있는, 이를 통해 목소리를 전달할 수 있는 공간을 만들어가고 있다. NONE SPACE WEB: www.none-space.com EMAIL: none-space@naver.com CONTACT: 070-7720-3151 INSTAGRAM: @nonespace_official

Stefan Diez

디자이너 스테판 디에즈(Stefan Diez)는 1971년 독일 뮌헨 프라이징(Freising) 출신이다. 4대째 이어지는 목수 집안에서 태어난 그는 부모님 밑에서 자연스레 수공예 및 목공 기술을 배우며 어린 시절을 보냈다. 가업을 잇기 위해 슈투트가르트 예술 학교(State Academy of Fine Arts Stuttgart)에 진학했으며, 1999년 다시 뮌헨으로 돌아와 콘스탄틴 그리치치(Konstantin Grcic)와 함께 일하다 2002년 독립하여 자신의 스튜디오를 오픈했다. 스테판 디에즈의 디자인은 전문적인 기술 지식과 본능, 새로운 실험에 대한 열정을 바탕으로 혁신적인 제품을 만들어낸다. 그는 e15, emu, Hay, Magis, Rosenthal, Thonet, Moroso 등 세계적인 브랜드와 협력하여 가구, 식기 및 액세서리, 인테리어 소품 등 광범위한 분야의 디자인을 선보이고 있다. 그의 작품 중 일부는 Designpreis der Bundesrepublik Deutschland, IF Gold award, Red dot best of the best award 등 국제 디자인상을 받은 바 있다. 스테판은 공예 교육을 받은 1세대 디자이너 중 한 명으로, 그의 작업에는 아날로그와 디지털 방식이 모두 포함되어 있다. 두 세계를 아우르는 디자인은 심플하면서도 매우 체계적인 접근방식을 담고 있다. 2007년부터 2014년까지 칼스루에 예술 디자인대학(University of Arts and Design Karlsruhe/HFG) 산업디자인학과 교수로 학생들을 가르쳤으며, 2018년부터는 빈 종합 예술 대학(Universität für Angewandte Kunst)의 산업 디자인 수업을 강의하고 있다. ▲YARD FOR EMU Outdoor Furniture Emu는 카페와 레스토랑 등 실외 공간을 위한 가구로 유명한 이탈리아 브랜드다. 수십년 동안 브랜드는 그저 단순한 디자인의 스틸(Steel) 가구만을 생산해왔다. 디자이너는 Emu의 정체성은 유지하면서도 알루미늄 소재로 전환하여 다양한 의자 컬렉션을 만들어냈다. Yard는 탄성 소재의 직물로 편안한 착석감을 제공하며 비가 많이 오는 지역에서도 불쾌감을 느끼지 않고 쾌적하게 사용할 수 있다. ▲ROPE TRICK FOR HAY Floor Lamp 직관적이면서도 매력적인 Rope trick은 알루미늄 전등갓이 달린 LED 플로어 램프다. 유연한 루프 손잡이가 제품의 시그니처를 형성하며, 180도 회전이 가능한 전등은 방향과 높낮이를 쉽게 조절할 수 있다. 램프는 독서를 위한 스포트라이트부터 눈부심이 없는 실내 조명까지 다양한 환경에 적용 가능하다. ▲BENT FOR MOROSOLounge Chair, Table, Side Table, Stool 대학 시절 2차원 표면을 3차원 물체로 바꾸기 위해 굴곡과 접힘에 관한 실험을 진행한 적이 있는 스테판 디에즈는 이러한 접근방식을 Bent에 적용했다. 색색의 알루미늄판을 용도에 맞게 레이저로 커팅하고 프레스로 접어 완성한 뒤 손으로 직접 구부려 마무리했다. 기존과는 다른 독특한 형태의 가구를 선보인 것이다. 금속 재질의 가구는 견고함은 물론 마치 금속공예 작품처럼 조형적인 아름다움을 선사한다. ▲404 FOR THONET Line of Wooden Chairs 404의 디자인은 1859년 Michael Thonet의 비엔나 커피 하우스 의자로 거슬러 올라간다. 100년 동안 생산된 Thonet의 벤트우드(bentwood) 제품에서 영감을 받았고 여기에 최신 합판 기술을 더했다. 다리와 등받이를 동일한 반지름으로 구부리고 잘라 가장자리를 7mm까지 대폭 축소했다. Thonet 가구의 핵심인 부드러운 라인을 현대적으로 재해석하는 동시에 최첨단 생산 기준에 맞는 새로운 제작 방법을 고안해냈다. ▲PLUSMINUS FOR VIBIA Collection of innovative and versatile lights Plusminus는 유연한 섬유 벨트를 기반으로 다양한 유형의 조명을 자유롭게 배치할 수 있다. 벽이나 천장, 바닥 위에서 벨트는 팽팽하게 당겨져 있거나 느슨하게 늘어져 있기도 한다. 심지어 구겨진 상태로 매달려 있어도 상관없다. 공간에 구애 받지 않고 자유롭게 매달려있는 조명은 마치 줄 위에 아슬아슬하게 매달린 곡예사를 떠오르게 한다. ▲FALSTAFF FOR DANTE Armchair 금속 구조와 가죽옷을 입은 안락의자 Falstaff. 좌석을 관형(Tubular) 프레임에 고정하는 파격적인 방식은 의자의 모든 디테일에 세심하게 적용됐다. Falstaff는 Dante의 설립자인 Aylin Langreuter, Christophe de la Fontaine과의 오랜 우정의 결과물이자 일반적인 업홀스터리(Upholstery)의 한계를 넘어서는 연구의 결실이다. ▲HOUDINI FOR E15 Collection Of Chairs 미국의 유명 마술사 해리 후디니(Harry Houdini)에게서 이름을 따온 의자. 그 이름처럼 마법 같은 곡선을 강조한 의자는 나사와 못을 사용하지 않고 CNC 머신으로 등받이와 좌석 프레임을 제작한 뒤 손으로 직접 구부려 접착했다. 이후 Leo, Jean, Eugene, Bess 등 후디니의 자녀들에게서 이름을 빌려온 새로운 컬렉션 라인도 생산하고 있다.